Dubstep
Dubstep
| Dubstep | |
| Orígenes musicales | UK garage (principalmente 2 step garage), grime, Reggae, dub,drum and bass |
| Orígenes culturales | Principios-mediados de los años 2000. Sur de Londres, Inglaterra |
| Instrumentos comunes | Secuenciador, sampler,tocadiscos, sintetizador,ordenador |
| Popularidad | Principalmente underground, hasta finales de los 2000cuando se hace popular en Reino Unido |
| Derivados | Brostep, Drumstep, Rapstep |
| Enlaces | |
| Categoría:Dubstep | |
El dubstep (/dʌbstɛp/) es un género derivado de la música electrónica. Su sonido se puede describir de modo general como «producciones formadas por ajustadas series de loops con líneas de bajo abrumadoras y patrones rítmicos reverberantes, samples troceados y vocales ocasionales».1
Las primeras muestras de dubstep fueron publicadas en 2001. Se trataba de remezclas instrumentales, oscuras y experimentales de producciones de 2-step garage, realizadas con la intención de incorporar los elementos funky del breakbeat o los rasgos más oscuros del drum and bass en el propio 2-step. Estas remezclas aparecían como cara B de los sencillos de 2-step de la época. En 2001, esta y otras variedades de música garage oscura comenzaron a ser mostradas en el club nocturno londinense Plastic People, en las noches llamadas «Forward» (también estilizado como FWD>>), que serían considerablemente influyentes para el desarrollo del dubstep. El término «dubstep» como denominación de un género musical comenzó a utilizarse en torno a 2002 por sellos discográficos como Big Apple, Ammunition y Tempa, momento en el cual las tendencias estilísticas presentes en las remezclas comenzaron a hacerse más remarcables y distintivas en relación al género original, el 2-step, así como al grime, sonido con el que en sus orígenes el dubstep también guardó una estrecha relación.
Un temprano seguidor del sonido fue el DJ de la emisora BBC Radio 1, John Peel, quien comenzó a programarlo a partir de 2003. En 2004, el último año de su programa, sus oyentes votaron a Distance, Digital Mystikz y Plastician (anteriormente conocido como Plasticman) en su top 50 del año. El dubstep comenzó a extenderse más allá de una pequeña escena local hacia finales de 2005 y comienzos de 2006. Numerosos sitios web dedicados al género comenzaron a aparecer, ayudando al crecimiento de la escena. Simultáneamente, el género empezó a recibir una importante cobertura en revistas musicales como The Wire y en publicaciones online como Pitchfork Media, que comenzó un apartado regular denominado The Month In: Grime/Dubstep. El interés en el dubstep creció considerablemente desde que la DJ de BBC Radio 1 Mary Anne Hobbs comenzara a promocionarlo, comenzando un programa dedicado en exclusiva a este sonido (titulado «Dubstep Warz») en enero de 2006.
Hacia el final de la década de 2000, el género pasó a tener un importante éxito comercial en Reino Unido, aumentando progresivamente el número de sencillos que entraban en las listas de éxitos de música popular. Los periodistas y los críticos musicales también llamaron la atención sobre la influencia del dubstep sobre el trabajo de numerosos artistas de música pop. En esta época, los productores comenzaron a fusionar elementos del dubstep original con otras influencias, creando géneros de fusión como el más lento y experimental post-dubstep.
Características
Partitura de la percusión de una pieza de dubstep.
Las raíces del dubstep se encuentran en algunas producciones de corte experimental de varios productores de UK Garage, que buscaban incorporar elementos del drum and bass al sonido 2-step habitual a finales de los noventa en el sur de Londres. Estos «experimentos» solían publicarse en la cara Bde los white labels de garage comercial típico de la época.El dubstep es por norma general música de tipo instrumental. Como en el coetáneo grime, su sonoridad tiende a ser oscura, los temas suelen utilizar modos menores y en ocasiones incluyen armonías disonantes, como cuando usa tritonos dentro de un riff. Otros rasgos característicos del género son el uso de ritmos inquietos y entrecortados, así como la presencia casi omnipresentes desubbajos. Algunos músicos de dubstep han incorporado al estilo influencias externas, desde el techno de corte dub a la manera de Basic Channel hastamúsica clásica o heavy metal.
Ritmo
El dubstep está basado en ritmos sincopados, y con frecuencia incorpora notas tocadas con shuffle o en tresillo. El tempo suele mantenerse en 140bpm. El ritmo del dubstep no suele seguir normalmente los patrones four-to-the-floor habituales en otros estilos de música electrónica de baile como el techno o el house, sino que suele basarse en una estructura formada por golpes de bombo en el primer y tercer tiempo del compás (una característica heredada del 2 step) y loops de percusión basados en compases diferentes al 4/4. Es frecuente que el oyente tenga la sensación al oír de modo aislado el patrón rítmico que éste está siendo tocado a la mitad de velocidad que la canción. Esta sensación de «doble velocidad» se consigue utilizando de modo rítmico, además de la percusión, otros elementos de la canción, especialmente la línea de bajo. Esta característica es típica del drum and bass, con el que se emparenta el dubstep.
También es habitual en el dubstep el uso de un potente y reverberante snare. Este aspecto distintivo puede crearse de diferentes maneras. Por un lado, suele sonar entre 6 y 18 dB más alto que el resto de la percusión. Por otro, la utilización de filtros como el reverb contribuye a esta sensación gracias a la profundidad que crea. Otros sonidos rítmicos que suelen «atarse» al snare son el white noise, las palmas de mano sintetizadas o claps y los snips digitales.
Wobble bass
Una característica del dubstep es un tipo de línea de bajo llamada «wobble bass» (en castellano, literalmente, «bajo tambaleante») en la cual una nota de bajo extendida es manipulada musicalmente. Esto contrasta con otros estilos de música electrónica en los cuales una misma muestra sin manipular se reproduce con diferentes pitches para crear una línea de bajo. El wobble bass, en cambio, se produce utilizando un low frequency oscillator para manipular los parámetros del bajo, como la presión de sonido, la saturación o el filter cutoff. El sonido resultante es una línea de bajo dominada por una sola nota de bajo extendida que tiene ese sonido tambaleante característico.
Estructura, bass drops, rewinds y MCs
Mala de Digital Mystikz.
Las producciones de dubstep tienen una estructura de canción similar a la de los géneros de música electrónica con los que está emparentado, como el drum and bass y el UK garage. Típicamente, esta estructura comprende una introducción, una sección principal (en la que normalmente se situaría el bass drop), una sección media, una segunda sección principal similar a la primera (generalmente con otro drop) y, finalmente, un outro.
Muchos temas de dubstep incorporan uno o más «bass drops» (en castellano, literalmente, «caída de bajo»), una característica heredada del drum and bass. Este elemento consiste en un parón de la percusión, que generalmente conduce el tema hasta el silencio, para a continuación reanudar la canción con mayor intensidad, reanudación acompañada por un subbajo dominante. El bass drop no tiene porque seguir necesariamente este esquema siempre. Antes bien, un buen número de temas considerados como clásicos de productores como Kode9 y Horsepower Productions utilizan otras estructuras de bass drop más experimentales.
Los «rewinds» (en castellano, literalmente, «rebobinados») o «reloads» son otra técnica utilizada por los DJs de dubstep de modo habitual.11 Cuando una canción parece ser especialmente popular entre el público, el DJ hace un spin back del disco con la mano, volviendo a reproducir el mismo tema de nuevo. Esta técnica tiene su origen en los primeros sound systems donde se pinchaba reggae y dub, es habitual en las emisiones de radio pirata y se utiliza de modo generalizado en las fiestas de UK garage yjungle.
Heredero directo del estilo de los deejays jamaicanos y de su práctica del toasting, al modo de pioneros como U-Roy, el rol del MC en el dubstep es de gran importancia para garantizar el impacto de las actuaciones en directo.13 Siendo este estilo de música predominantemente instrumental, el MC opera en un contexto similar al del drum and bass y suele ser más un complemente para la música que un proveedor de contenido lírico como ocurre en el hip hop.
Los mas sonados del 2014:
9- Reptile – Skrillex (la unica que me parece buena de el xD).
link: http://www.youtube.com/watch?v=N4tJtnnbJ1I
8- Centipede – Knife Party
link: http://www.youtube.com/watch?v=CSemARaqGqE
7- Hold Me – Delta Heavy
link: http://www.youtube.com/watch?v=DbCYsEMg09o
6- Flux Pavilion – Daydreamer (Ft. Example) (Dillon Francis Remix)
link: http://www.youtube.com/watch?v=RunGP6vLzWQ
5- Bonfire – Knife Party
link: http://www.youtube.com/watch?v=e-IWRmpefzE
4- My Pink Lady – Feed Me
link: http://www.youtube.com/watch?v=n01UOw5uEhw
3- Power Glove – Knife Party
link: http://www.youtube.com/watch?v=vDAMdc44beY
2- Internet Friends – Knife Party
link: http://www.youtube.com/watch?v=luJJBeCFeM0
1- Unison – Porter Robinson (Knife Party Remix)
link: http://www.youtube.com/watch?v=_akOgpCzQ4s
Y de yapa les dejo un espectaculo de knife party en el Ultra Music Festival
link: http://www.youtube.com/watch?v=FKFPQzireLo&list=UUtXRolzmkBDmAkTEJiFXohw&index=1
Banda
BACHATA
Amigos míos la bachata es un genero musical que se creo desde los años 70 aunque ahora en la actualidad es mucho mas famosa gracias a los nuevos cantantes de hoy como los son: prince royce, aventura, romeo santos, entre otros.
Pero la bachata es un genero musical bailable de la República Dominicana.
Música Pop :3
La música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del rock and roll, en combinación con otros géneros musicales que estaban en moda en aquel moment
Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestados a menudo elementos de otros estilos como el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk.
El rey del pop Michael Jackson
La reina del pop Madona
Algunos ejemplos de música pop:
Rincón del Rock \../
El rock es un género musical surgido en Estados Unidos en la década de 1950, que evolucionó hacia una variedad de estilos a partir de la década siguiente,1 y rápidamente se popularizó por gran parte del mundo. Su forma originaria, conocida como rock anda rolla, surgió mayormente de la combinación de dos géneros anteriores como eran el hurtarme ad blues y el construyo. La música rock también se nutrió fuertemente del blues y el Norfolk, e incorporó influencias del jazz, la música clásica y otras fuentes.
Musicalmente, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, normalmente como parte de un grupo de rock con cantante, bajo,batería y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano. Típica mente, el rock es una música centrada en las canciones, habitualmente con compás de 4/4 y usando una estructura verso-estribillo, pero el género se ha vuelto extremadamente diverso y las características musicales comunes son difíciles de definir. Como la música pop, las letras se centran a menudo en el amor romántico, pero también tratan un rango amplio de otros temas con un enfoque frecuente en lo social y lo político. El dominio del rock por músicos varones ha sido visto como uno de los factores principales que definen los temas explorados en la música rock. El rock pone más énfasis en la composición, la actuación en vivo, y la autenticidad que la música pop.
MÚSICA ELECTRÓNICA !
Música electrónica
La música electrónica’ es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica también puede ser mezclada. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.
Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX
Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 porÉdouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo.1
En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2 Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.
Nueva estética de la música
Artículo principal: Ferruccio Busoni
En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: «solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte».
Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.
Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el «ruido», así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. El «Manifiesto Técnico de la Música Futurista» de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: «presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad».
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto «El arte de los ruidos» (en italiano en original, «L’arte dei Rumori»). En 1914, organizó el primer concierto del «arte de los ruidos» en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como «instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos». En junio se organizaron conciertos similares en París.
BACHATA
Amigos míos la bachata es un genero musical muy escuchado ahora en la actualidad pero la verdad este genero se creo desde los años sesenta y setenta.
Ahora muchos artistas cantan este genero como prince royce, romeo santos, aventura entre otros. Aqui escucharas algunas de sus canciones
RAP
RAP
El rap es un tipo de sprechgesang o recitación rítmica de rimas y juegos de palabras surgido a mediados de la década de los 80 entre la comunidad afroamericana de los Estados Unidos. Es uno de los cuatro pilares fundamentales de la cultura hip hop, de ahí que a menudo también se le llame metonímicamente (y de forma imprecisa) hip hop. Aunque puede interpretarse a capella, el rap va normalmente acompañado por un fondo musical rítmico conocido con la voz inglesa beat. Los intérpretes de rap son los MC, “maestro de ceremonias”.
Flow
La palabra inglesa Flow (“flujo”), se utiliza para referirse al ritmo que se crea en la interpretación, este se genera cuando la métrica y énfasis de la lírica o Freestyle se adapta perfectamente al Beat o Beatbox. El Flow puede determinar la habilidad, experiencia y/o credibilidad que tiene quien interpreta o improvisa (Aunque lo más importante siempre es el contenido).
Antecedentes en disco, previos al Hip Hop (destacados
«Minnie The Moocher (Hi-De-Ho)» por Cab Calloway (1934).
«Caldonia» por Louis Jordan (1947).
«Maybelline» por Chuck Berry (1956).
«Big Bad John» por Jimmy Dean (1962).
«Subterranean Homesick Blues» por Bob Dylan (1965).
«The Clapping Song» por Shirley Ellis (1966).
«Say it Loud i’m black and i’m proud» por James Brown (1968).
«Here comes the Judge» por Pigmeat Markham (1969).
«I dont want nobody doing nothin» por James Brown (1969).
«The Mean Machine» por The Last Poets (1970).
«The Revolution Will not be Televised» por Gil Scott Heron (1971).
«I’m Going Back To Indiana» por The Jackson 5 (1971).
«Ike’s Rap» por Isaac Hayes (1972).
«King Heroin» por James Brown (1972).
«Every Brother Aint a Brother» por Gary Byrd (1973).
«What care about you?» por Real Co. Artist (1973).
«I’m The Slime» y «Dy-na-moe Hum» por Frank Zappa (1973).
«The Rap» por Millie Jackson (1974).
«Sport» por Lightin Rod – Jalal Nuriddin with Kool & The Gang- (1974).
«Signifying Monkey» por Rudy Ray Moore (1975).
«Let’s Take It To The Stage» por Funkadelic (1975).
«I Am the Greatest» por Mohammed Ali (1976)
«Delights of the Garden» por The Last Poets y Bernard Purdie (1977).
«Undisco Kid» por Funkadelic (1977).
«Enterprise» por el Cast de producción de Broadway «The Runaways» (1978).
«Mr.Wiggles» por Parliament (1979).
«Rapture» por Blondie (1981)
Formas musicales tradicionales similares.
Griot en Senegal.
Cocrouch en Laos.
Chastushka en Rusia.
Tsiattista en Chipre.
Enka Slamta en Etiopía.
Tassou en Senegal.
Gstanzl en Baviera y tradiciones similares en Austria y Suiza.
Rap urdu en Pakistán.
Kuai ban
En diferentes series televisivas el rap presente entre ellas una muy importante en America latina: “Cumbia Ninja” En la cual el rap esta presente en describir la forma de vida de las personas pobres y las ricas. Marca la realidad que se vive y que se ha vivido en todo el mundo a lo largo de la historia.
Porta
| Porta | |||||||||||||
Porta en directo. |
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| Datos generales | |||||||||||||
| Nombre real | Christian Jiménez Bundó. | ||||||||||||
| Nacimiento | 2 de julio de 1988 (26 años) | ||||||||||||
Origen
Christian Jiménez Bundó (2 de julio de 1988 en Sarrià, Barcelona, España), más conocido por su nombre artístico «Porta», es un MC, rapero español que interpreta música Rap en castellano. Se hizo popular en 2006 a través de su enorme éxito en las redes sociales, con sus maquetas No es cuestión de edades(2006) y No hay truco (2007), que fueron ampliamente difundidas en Internet, donde rompió récord de descargas. Porta ganó una mayor popularidad al lanzar su primer álbum En boca de tantos en (2008) y así también dio a conocer mundialmente a su grupo Rap Comando. Su tercer álbum Trastorno bipolar fue lanzado en (2009) pero no tuvo el mismo éxito de ventas que su primer LP ya que no tuvo la misma promoción. Los dos álbumes fueron editados por la multinacional discográfica Universal Music Group.2 Con el tiempo las cosas entre Porta y su discográfica no coincidieron y Porta terminó renunciando a su contrato el 24 de agosto de 2011. Su último trabajo, Algo ha cambiado salió a la venta el 10 de Junio del 2014, y Roset, salió a la venta el 7 de mayo de 2012 bajo el sello de PIAS Spain. Luego de dejar la discográfica Universal Music, su nuevo disco obtuvo un buen número de ventas y fue acogido por el público en forma positiva adquiriendo así más seguidores. Hoy en día Porta tiene cerca de 13 millones de seguidores alrededor en todas sus cuentas en Internet. |
Barcelona España | ||||||||||||
| Ocupación | Rapero, MC | ||||||||||||
MUSICA ELECTRONICA ¡
Música electrónica
Para otros usos de este término, véase Música electrónica (desambiguación).
La música electrónica’ es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica también puede ser mezclada. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.
Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX
Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 porÉdouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo.1
En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2 Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.
Nueva estética de la música
Artículo principal: Ferruccio Busoni
En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: «solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte».
Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.
Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el «ruido», así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. El «Manifiesto Técnico de la Música Futurista» de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: «presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad».
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto «El arte de los ruidos» (en italiano en original, «L’arte dei Rumori»). En 1914, organizó el primer concierto del «arte de los ruidos» en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como «instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos». En junio se organizaron conciertos similares en París.
1920–1930
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin. Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpreatada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista.
Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París.3 El año siguiente, Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera inacabada Mr. Bloom.
La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A. O’Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación.
El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un sonido a partir de una onda de sonido.
En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinettiy otros.
1940-1950
Artículo principal: Música concreta
Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad (lo-fi).4 y a comienzos de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas.5 En esta época la empresa alemana de electrónicaAEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el «Magnetophon» K-1, revelado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935.6
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC bias, que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruidohasta 60 dB7 sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.
En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo.8 No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la Guerra, cuando varios de estos aparatos fueron capturados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y otros. Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, el Model 200 producido por la empresa Ampex.
La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos).
Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las primera piezas de «musique concrète» fueron creadas por Pierre Schaeffer, quien colaboró con Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el primer concierto (no emitido) de música concreta en laÉcole Normale de Musique de Paris. Posteriormente ese año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. En París en 1951, en lo que se convertiría en una tendencia global, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.
Elektronische Musik
Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en 1991
Artículo principal: Karlheinz Stockhausen
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951, después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositorHerbert Eimert (que se convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo año de su creación, 1951, fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger,Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.
musickfest 